![Miguel Mora Morandeira](/web/cache/scene/uploads/xornalistas/foto/69c/_S7QytKoutjK3UsovKMnMzytWsi62MjSxUqrKz891Lsov0DE1AC_/_Il61oA_/6539efbb43-whatsapp-image-2023-10-25-at-17.22.15.jpeg)
Miguel Mora Morandeira
Lenguaje - Patologías
Un psicoanalista neoyorquino dijo un día a Luis Buñuel que su cine era propio de un enfermo. Un conocido psiquiatra y escritor gallego manifestaba que la psiquiatría era de poca ayuda para comprender la naturaleza humana al mismo tiempo que daba la razón a Barthes cuando opinaba que la literatura contiene todos los saberes y que ayudaba, mejor que la psiquiatría, a entender la naturaleza del hombre.
Hay muchísimos textos que defienden que el guion cinematográfico es artístico y un género literario. Sus características se expresan a través del lenguaje cinematográfico. En el guion de Viridiana Luis Buñuel y Julio Alejandro aprovechan los recursos estéticos de un texto para elaborar una analogía visual y el significado simbólico de la narración fílmica. El actor Raúl Adalid opina que Buñuel en Los Olvidados, una de sus mejores películas mexicanas, nombraba lo invisible de la realidad. En "Él", otra de sus obras, muestra un amor nacido de la locura que no cesa y los celos patológicos- ¿o todos lo son? - lo llevan al encierro en un manicomio.
Woody Allen las opiniones de su psicoanalista las recibía no en un comentario ocasional. Él, al contrario que Buñuel, los frecuentaba. Y de esa conversación terapéutica, hay evidencias en sus filmes. Un analista espléndido como Pedro Sangro Colon ha escrito un libro titulado "El cine en el diván" y Miguel Ángel Huerta "El cine como terapia, el psicoanálisis en la obra de Woody Allen".
Buñuel era un hombre convencional en su papel en la estructura familiar, el libro de su mujer Jeanne Roucar "Memorias de una mujer sin piano" así lo demuestra. Georges Sadoul, amigo de Luis y de Jeanne cuenta que a Buñuel siempre lo veía solo y que nunca le hablaba de ella. En la fantástica obra de D. Luis, uno de los mejores directores de la historia del cine, no se recuerdan evidentes señales de machismo. Sí manifestaba siempre su admiración por la obra de Sade y en sus películas se encuentran muchas referencias al Divino Marqués. Imposible sintonizar el sadismo con el conservadurismo. Incluso con la "normalidad" desde el punto de vista psicológico. En una referencia crítica de Andrés Amorós encuentro una frase dedicada a la Rayuela de Cortázar: la locura es ante todo necesaria, Horacio (el personaje central) entiende la locura como un proceso de liberación de la razón. Una forma de alcanzar la libertad que da lugar a un nuevo orden. Para llegar a ese orden "hay que destruir el anterior y para eso sólo cabe el desorden perfecto, la pureza del caos".
El considerado, por muchos, padre del teatro moderno Antonin Artaud, en su obra - y también en su vida – rechazaba violentamente los que él consideraba refugios de la miseria humana: la fe y el arte. La vasta obra de Artaud que era poeta, dramaturgo, novelista y actor, lo ha situado también como creador del teatro de la crueldad. Después de una niñez devota, sufre una neurosífilis de origen paterno y pasa largas temporadas en sanatorios mentales en donde se le aplican incluso electroshoks.
Artaud, contacta con surrealistas del nivel de André Breton y también pasa una temporada en México. Allí utiliza con frecuencia el peyote y está cercano al pintor, grabador, escultor y muralista mexicano Federico Cantú. Con él convivió, más tarde, una década en el parisino Montparnasse.
Artaud odiaba el mundo de la psiquiatría. Para él, los médicos que afirmaban curarle son únicamente seres que, envidiando su genialidad, la califican de locura.
Para Antonin son los médicos que le trataron los que llevaron a Van Gogh al suicidio.
La profesora parisina, especialista en Artaud, Evelyne Grossman, habla de su obra como "art total", desapareciendo las barreras de una sola obra, de un tipo de arte. En el teatro de la crueldad, se unen en un solo espectáculo, la música, los gritos, la insensatez, la danza, el teatro. Ese "art total" lo compara E. Grossman con la estética de Baudelaire, con quién la poesía se empieza a liberar de las ataduras tradicionales, inaugurando revolucionarias tendencias en la poética, el misterio de la intimidad y sus conflictos, la angustia. El "flâneur" en medio de la multitud lo ve todo, sin ser visto. Baudelaire propone la desaparición del yo del poema. (Foucault hablará de escribir para perder el rostro).
No hay espacio para extenderse sobre Kafka – ni yo tengo categoría para ello – pero sería un despiste imperdonable no referirse a él en unas reflexiones (aún sintéticas y rápidas) sobre el lenguaje, los tipos de lenguaje narrativo, poético, cinematográfico. Y su conexión como método de diagnosis o tratamiento sobre eso que conocemos como patología mental.
Hay muchísimos textos que defienden que el guion cinematográfico es artístico y un género literario. Sus características se expresan a través del lenguaje cinematográfico. En el guion de Viridiana Luis Buñuel y Julio Alejandro aprovechan los recursos estéticos de un texto para elaborar una analogía visual y el significado simbólico de la narración fílmica. El actor Raúl Adalid opina que Buñuel en Los Olvidados, una de sus mejores películas mexicanas, nombraba lo invisible de la realidad. En "Él", otra de sus obras, muestra un amor nacido de la locura que no cesa y los celos patológicos- ¿o todos lo son? - lo llevan al encierro en un manicomio.
Woody Allen las opiniones de su psicoanalista las recibía no en un comentario ocasional. Él, al contrario que Buñuel, los frecuentaba. Y de esa conversación terapéutica, hay evidencias en sus filmes. Un analista espléndido como Pedro Sangro Colon ha escrito un libro titulado "El cine en el diván" y Miguel Ángel Huerta "El cine como terapia, el psicoanálisis en la obra de Woody Allen".
Buñuel era un hombre convencional en su papel en la estructura familiar, el libro de su mujer Jeanne Roucar "Memorias de una mujer sin piano" así lo demuestra. Georges Sadoul, amigo de Luis y de Jeanne cuenta que a Buñuel siempre lo veía solo y que nunca le hablaba de ella. En la fantástica obra de D. Luis, uno de los mejores directores de la historia del cine, no se recuerdan evidentes señales de machismo. Sí manifestaba siempre su admiración por la obra de Sade y en sus películas se encuentran muchas referencias al Divino Marqués. Imposible sintonizar el sadismo con el conservadurismo. Incluso con la "normalidad" desde el punto de vista psicológico. En una referencia crítica de Andrés Amorós encuentro una frase dedicada a la Rayuela de Cortázar: la locura es ante todo necesaria, Horacio (el personaje central) entiende la locura como un proceso de liberación de la razón. Una forma de alcanzar la libertad que da lugar a un nuevo orden. Para llegar a ese orden "hay que destruir el anterior y para eso sólo cabe el desorden perfecto, la pureza del caos".
El considerado, por muchos, padre del teatro moderno Antonin Artaud, en su obra - y también en su vida – rechazaba violentamente los que él consideraba refugios de la miseria humana: la fe y el arte. La vasta obra de Artaud que era poeta, dramaturgo, novelista y actor, lo ha situado también como creador del teatro de la crueldad. Después de una niñez devota, sufre una neurosífilis de origen paterno y pasa largas temporadas en sanatorios mentales en donde se le aplican incluso electroshoks.
Artaud, contacta con surrealistas del nivel de André Breton y también pasa una temporada en México. Allí utiliza con frecuencia el peyote y está cercano al pintor, grabador, escultor y muralista mexicano Federico Cantú. Con él convivió, más tarde, una década en el parisino Montparnasse.
Artaud odiaba el mundo de la psiquiatría. Para él, los médicos que afirmaban curarle son únicamente seres que, envidiando su genialidad, la califican de locura.
Para Antonin son los médicos que le trataron los que llevaron a Van Gogh al suicidio.
La profesora parisina, especialista en Artaud, Evelyne Grossman, habla de su obra como "art total", desapareciendo las barreras de una sola obra, de un tipo de arte. En el teatro de la crueldad, se unen en un solo espectáculo, la música, los gritos, la insensatez, la danza, el teatro. Ese "art total" lo compara E. Grossman con la estética de Baudelaire, con quién la poesía se empieza a liberar de las ataduras tradicionales, inaugurando revolucionarias tendencias en la poética, el misterio de la intimidad y sus conflictos, la angustia. El "flâneur" en medio de la multitud lo ve todo, sin ser visto. Baudelaire propone la desaparición del yo del poema. (Foucault hablará de escribir para perder el rostro).
No hay espacio para extenderse sobre Kafka – ni yo tengo categoría para ello – pero sería un despiste imperdonable no referirse a él en unas reflexiones (aún sintéticas y rápidas) sobre el lenguaje, los tipos de lenguaje narrativo, poético, cinematográfico. Y su conexión como método de diagnosis o tratamiento sobre eso que conocemos como patología mental.